La obra dirigida por Ramón Llaven explora la compleja preparación mental y física que llevan a cabo quienes participan en este ritual, contada desde la perspectiva única de un espíritu. Durante doce horas de intensa actividad, los vivos y muertos se unen en una convivencia inusual.

Las muerteadas son celebraciones en las que la comunidad del Valle de Etla reúne a sus miembros para realizar una especie de obra teatral con mucha energía, baile y música. Personajes como un moribundo, un sacerdote, el diablo, un cura y un espiritista desempeñan roles importantes en este ritual.

Durante la muerteada, las historias y rumores del pueblo se cuentan mientras los asistentes bailan por doce horas, acompañados de mezcal y alegría. Esta peculiar celebración tiene como objetivo reforzar el vínculo con lo desconocido.

Ramón Llaven, originario de Santiago Etla, dirige y narra la película desde la perspectiva de un ánima, destacando la experiencia física y emocional que viven los participantes al bailar durante horas.

La película "El baile de las ánimas ha causado una gran impresión en el público y los críticos después de su participación en el Festival Internacional de Cine de Morelia.

A continuación, la cinta será exhibida en DOCS MX en la Ciudad de México y en Ji.hlava, República Checa, un festival considerado uno de los más importantes del mundo en cuanto a documentales se refiere.

Ramón Llaven es el creador detrás de este largometraje, quien previamente también produjo el cortometraje documental Las voces del despeñadero, que recibió un premio Ariel por parte de la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas.

La película El baile de las ánimas" ha demostrado ser una experiencia emocionante y física para los participantes, quienes bailan durante horas, lo cual es destacado en la narrativa.

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En estas representaciones, se cuenta con baile y música para recrear la escena. Sin embargo, hay rumores y chismes sobre las personas involucradas en estos eventos, como si alguien hubiera hecho algo malo mientras estaba borracho o si hubo infidelidad o problemas con el dinero.

Un cineasta ha decidido explorar este tema más a fondo. Ha creado una película titulada "El baile de las ánimas, que se enfoca en la preparación tanto física como mental para bailar durante doce horas, pero desde la perspectiva de un espíritu.

La película, dirigida por Ramón Llaven, pronto entrará en competencia en el Festival Internacional de Cine de Morelia.

La película El baile de las ánimas busca retratar la tradición oaxaqueña en un formato único y emotivo. Para lograrlo, el director Ramón Llaven se inspiró en su propia experiencia como bailarín desde niño en Santiago Etla.

Llaven describe la interacción con los muertos durante las muerteadas como una fuente de inspiración para su película. Sin embargo, su objetivo es transmitir la catarsis y el desgaste físico que se sienten después de bailar durante 12 horas, acompañados por el mezcal y la alegría.

Como productor de varios proyectos, incluyendo el corto documental Las voces del despeñadero, Llaven ha ganado reconocimiento en la industria cinematográfica. Su largometraje El baile de las ánimas es su segundo proyecto después de Damnificados. Los negocios de la reconstrucción".

La muerteada es una tradición arraigada en Oaxaca, donde la música, el sonido y las personas cantando y bailando crean un ambiente inolvidable.

Esta práctica tiene un significado profundo, ya que marca el inicio de un ciclo o año nuevo, y sirve como recordatorio de seguir vivo mientras se pregunta si las ánimas estarán cerca.

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El equipo de actores que trabajo en esta cinta se reunió para subir por primera vez al lugar donde ocurrió el accidente aéreo de 1972, un evento que causó conmoción mundial cuando se supo que sus supervivientes practicaron la antropofagia con los cuerpos de los pasajeros fallecidos.

Este hecho marcó la historia y ahora es objeto de reflexión en una serie documental llamada Más allá de la sociedad, que busca mostrar lo ocurrido después del rescate tanto con los supervivientes como con los familiares de las víctimas. La serie fue filmada para estrenarse en diciembre a través de Netflix.

La producción cuenta con el productor Rodrigo Bayona y el director Carlos Torres, quienes se sumaron al proyecto después de su función especial en el Festival Internacional de Cine de Morelia.

La serie documental Más allá de la sociedad se centra en un grupo que sobrevivió a la tragedia de los Andes y su experiencia al regresar a casa después del accidente.

Conformada por tres episodios, la producción explora las historias de quienes lograron bajar de la montaña, aquellos que no lo hicieron y el proceso de creación de la película original. Según Bayona, en la primera película se enfocó principalmente en la supervivencia del accidente y la tragedia, pero hubo otras historias interesantes que no pudieron incluirse debido a los límites de tiempo.

La gente que ya ha visto la serie ha sido sorprendida al descubrir detalles que quedaron fuera de la historia original. Según Bayona, estos pequeños detalles revelan mucho sobre el proceso de duelo y cómo fue regresar a casa para las víctimas del accidente.

Entre los detalles sorprendentes que se han encontrado en la serie están los procesos de duelo que fueron diferentes entre las personas que sobrevivieron al accidente, ya que muchos vivían en el mismo barrio antes del desastre.

La experiencia de Enzo Vogrincic y el resto del elenco en la producción ha sido única al regresar a los Andes para rodar la serie.

La serie que se rodará en los Andes ha generado un gran interés entre el público y los creadores del proyecto.

En la sesión de preguntas y respuestas, los espectadores mostraron su curiosidad por la película de hace tres años y cómo aborda la historia de la sociedad de la nieve. El director Bayona compartió una anécdota sobre un evento en Uruguay donde dos grupos se reunieron después de 50 años, lo que fue emocionante" para él.

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Aunque cada uno ha tenido su propia razón para considerar abandonar la actuación, debido a fatiga, rechazo constante o abuso, en el filme se explora un universo donde los actores pueden encontrar una salida al mundo del espectáculo. En este sentido, Cassandra Sánchez Navarro interpreta a una estrella de telenovelas que busca alejarse de ese mundillo y encuentra consuelo en la vida de José María de Tavira.

La película Amarte" es dirigida por Roberto Girault y producida por Mónica Vargas. Antes del lanzamiento, los actores han respondido a preguntas alusivas al filme, lo que ha permitido conocer un poco más sobre su experiencia en la producción.

La presión de la fama puede ser abrumadora para algunos actores, especialmente cuando se enfrentan a situaciones desagradables en su trabajo. Una de las razones por las que algunos actores quieren retirarse del oficio es el constante rechazo que reciben, incluso después de lograr cierto éxito.

Algunos actores también mencionaron problemas con los pagos tardados o insuficientes, lo que puede afectar su estabilidad emocional y financiera. Una actriz compartió que se sintió abrumada por la presión del trabajo y consideró abandonarlo para volver a ser ama de casa.

Para proteger su bienestar emocional y mental, algunos actores buscan apoyo en terapia o en actividades que les permitan equilibrar sus sentimientos y mantener una estabilidad saludable.

La fama puede ser un peso difícil de llevar para algunos actores que participan en producciones dramáticas. Según uno de ellos, es necesario aprender a separar la realidad de lo que se vive en el set de rodaje.

Algunos actores buscan apoyo en terapia o actividades que les permiten equilibrar sus sentimientos y mantener una estabilidad saludable para proteger su bienestar emocional y mental. Esto parece ser un consejo valioso, especialmente cuando las escenas dramáticas pueden afectar negativamente la autoestima.

Para evitar la presión de compararse con otros actores o carreras, algunos prefieren desconectarse de la industria y encontrar equilibrio en sus vidas personales.

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Según Ramsay, la televisión ha tenido un impacto positivo en la industria de la cocina, ya que ha dado a los chefs una plataforma para exhibir su trabajo y les ha otorgado respeto. También destaca la importancia del marketing en los restaurantes, lo que fomenta la búsqueda de excelencia.

Gordon Ramsay es un referente entre los fans de programas de televisión de cocina y reality shows de competencia culinaria, gracias a su trayectoria en shows como Boiling Point, desde 1999, donde se muestra cómo abre su primer restaurante con tres estrellas Michelin.

El chef ha estado involucrado en varios proyectos, incluyendo Al filo: Persiguiendo las estrellas Michelin, un programa junto a Apple TV que estrena capítulo los viernes hasta el 6 de noviembre. Esta serie se suma a su larga lista de créditos como presentador y productor.

En su transición desde la cámara hacia la producción, Ramsay cree que esta nueva posición puede ayudar a jóvenes productores a crear programas de alta calidad en el segmento del entretenimiento culinario.

La segunda temporada de Al filo: Persiguiendo las estrellas Michelin ha logrado equilibrar perfectamente la perspectiva del cliente con el trabajo y esfuerzo de los restaurantes.

Gordon Ramsay destaca el trabajo incansable de Jesse Burgess, presentador que aborda su papel con habilidad y sensibilidad. "Tiene un trabajo increíblemente duro entre esa línea fina de no arruinar el flujo", afirma Ramsay.

Ramsay también enfatiza la importancia de dar luz y credibilidad a sus colegas en este proceso de producción. Para él, es fundamental mostrar la verdadera maquinaria detrás del trabajo de un chef, incluyendo los sentimientos y emociones involucrados.

Con esta serie, Ramsay busca ofrecer una visión holística y completa del mundo culinario, permitiendo a los espectadores apreciar el trabajo y esfuerzo que se despliega detrás de cada plato.

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La historia cuenta con personajes entrañables y una trama que se aleja aparentemente de la realidad, permitiendo explorar temas como la pérdida, la maternidad truncada y la adolescencia. Javier Ibarreche destacó que la fantasía funciona como un "colchón que permite mostrar cosas difíciles sin causar rechazo.

La película sigue la aventura de Prue McKeel, una adolescente cuyo hermano menor es secuestrado por cuervos y debe adentrarse en el Bosque Impasable para rescatarlo. En este lugar oculto, Prue enfrentará conflictos y secretos oscuros que la harán descubrir su propio destino.

Macarena García interpretó a Prue McKeel y destacó que el poder de su personaje radica en ser empática, lo que le permite ver las cosas no sólo desde su propia perspectiva, sino también desde la de los demás. Según Macarena, esta habilidad hace que Prue sea una heroína verdadera.

La película busca transmitir una lección hermosa de valentía a través de la historia de Prue McKeel y su lucha en el Bosque Impasable. La narrativa fantástica y entrañable busca hacer que hablar de temas delicados sea menos doloroso para los espectadores.

La actriz Macarena García compartió sus experiencias al trabajar en el doblaje de Wildwood: El bosque salvaje, un filme que llegará a los cines mexicanos el 29 de octubre.

Para García, este proyecto significó su debut en la industria del doblaje, algo que había estado ansiosa por explorar desde hacía tiempo. Aunque inicialmente se sintió nerviosa y muerta de miedo, decidió entregarse a la experiencia y permitir que los expertos la guiasen.

La actriz destacó la importancia de la empatía en su trabajo, ya que tuvo que dar vida a un personaje con intenciones, sentimientos y estados de ánimo. Según García, esta habilidad es espectacular y ella estaba ansiosa por probarla.

García también ha tenido una destacada actuación en la serie Timbiriche, donde ha demostrado su versatilidad como actriz. Su experiencia en el doblaje de Wildwood: El bosque salvaje" le enseñó que la voz puede ser un poderoso herramienta creativa.

El filme, que cuenta con la participación de Javier Ibarreche y Emilio Treviño, busca hacer que los temas delicados sean más fáciles de abordar para el público.

El Universal Espectáculos: https://www.eluniversal.com.mx/espectaculos/javier-ibarreche-y-macarena-garcia-destacan-el-poder-de-la-empatia-en-wildwood-el-bosque-salvaje/

La película de Iñárritu cuenta con el talentoso actor Tom Cruise como protagonista, quien interpreta a Digger Rockwell, un empresario petrolero cuyo negocio está involucrado en un desastre ecológico de grandes dimensiones. La trama se centra en la crisis ambiental y el poder económico, temas que Iñárritu explora con su característica profundidad.

El papel de Tom Cruise en la película es crucial, ya que su personaje tiene la capacidad de causar y también solucionar el problema. Esta paradoja es un aspecto clave del argumento de la película, que busca hacer reflexionar al espectador sobre las consecuencias de las acciones humanas.

La llegada de Digger a las salas de cine el 2 de octubre promete ser un acontecimiento destacado en el panorama cinematográfico de este mes. La expectación es grande por la habilidad de Iñárritu para contar historias complejas y su capacidad para reunir talentos de primer nivel detrás de la cámara.

La trama del filme Verity se desarrolla en torno a la relación entre una escritora exitosa y su asistente, lo que genera un clima de intriga y misterio desde el principio.

Dakota Johnson interpreta a la protagonista de la historia, una joven con problemas económicos que recibe el encargo de terminar la obra de Verity Crawford, interpretada por Anne Hathaway. La trama gira en torno al descubrimiento de un manuscrito que contiene confesiones inquietantes sobre la familia de Verity.

El reparto principal del filme incluye a Josh Hartnett como el compañero de Dakota Johnson, lo que agrega una capa adicional de tensión y misterio a la trama. La película se centra en secretos familiares, manipulación y un giro inesperado en la narrativa.

La dirección del filme recae en el cineasta Alejandro González Iñárritu, quien ha demostrado su habilidad para contar historias complejas en películas como Birdman. El guión está a cargo de Nicolás Giacobone, Alexander Dinelaris y Sabina Berman, mientras que la fotografía corre a cargo de Emmanuel “El Chivo” Lubezki.

La película llegará a las salas de cine el 1 de octubre, lo que generará expectación entre los fanáticos del género thriller. El filme promete ser un suspenso emocionante y una exploración profunda de la psique humana.

La película Tierra de mi padre se desarrolla en 1949, un año marcado por la devastación de la Segunda Guerra Mundial y los inicios de la Guerra Fría en Alemania.

El escritor Thomas Mann, interpretado por Hanns Zischler, y su hija Erika, encarnada por Sandra Hüller, emprenden un viaje en automóvil desde Fráncfort hasta Weimar, recorriendo territorios bajo el control estadounidense y soviético.

Durante este trayecto, Mann se enfrenta a la realidad de una Alemania que ya no es la misma y debe afrontar preguntas sobre identidad, culpa, memoria y pertenencia. Su regreso también obliga a confrontar las fracturas de su propia familia.

La cinta estará disponible en salas de cine el 22 de octubre, con un reparto que incluye a August Diehl, Devid Striesow y Anna Madeley, además del reconocido director Pawlikowski, quien escribió la película junto con Henk Handloegten.

Octubre promete ser un mes repleto de emocionantes estrenos en el cine mexicano. Entre ellos se encuentra la película "The Souvenir, una crítica social que explora los secretos y heridas que pueden dejar las experiencias traumáticas.

La cinta, dirigida por Pawlikowski, aborda temas complejos como la crisis ambiental y sus efectos en las relaciones familiares. Con un reparto destacado y una dirección sólida, The Souvenir" es una opción interesante para aquellos que buscan algo más allá de las películas de acción y aventuras típicas del mes de octubre. La cinta estará disponible en salas de cine el 22 de octubre.

Chilango: http://www.chilango.com/cine-y-tv/peliculas/estrenos-cine-octubre-2026/

Yoda compartió sus pensamientos sobre el estilo característico de las películas de Studio Ghibli durante una rueda de prensa en Oviedo. Según él, aunque la animación implica mover a los personajes para que actúen, lo que realmente define al estudio son los momentos de silencio y contemplación que se encuentran en sus obras.

La película "La Princesa Mononoke (1997) es un ejemplo paradigmático de este estilo. Cuando esta cinta comenzó a estrenarse en el extranjero, los expertos de Hollywood advirtieron a su equipo creativo sobre la cantidad de silencios que contenía y sugirieron llenarlos con música. Sin embargo, esta recomendación no fue necesaria ya que el público aceptó y apreció la película tal como estaba.

El estudio japonés prefiere abordar temas universales en sus películas, independientemente del contexto específico en el que se desarrollan. Por ejemplo, Mi vecino Totoro (1988) puede ser visto como una representación de la infancia en Japón durante los años 50, pero en realidad trata sobre la esencia del ser humano, lo que hace que sus temas sean relevantes y resuenen en todas las personas.

Aunque el estudio ha encontrado formas innovadoras de llegar al público sin seguir las convenciones tradicionales, siempre hay una idea fija sobre cómo deben hacerse las películas. Esta certeza no implica que la creatividad esté limitada, sino más bien que se puede explorar y encontrar nuevas maneras de expresarse a través del arte.

La incertidumbre sobre el futuro de Studio Ghibli se debe en parte a la avanzada edad de Hayao Miyazaki, cofundador y director del estudio. A pesar de esto, Yoda asegura que la creatividad no está limitada y que se pueden encontrar nuevas formas de expresarse a través del arte.

El estudio ha estado trabajando incansablemente para presentar nuevas creaciones, con Miyazaki siguiendo dibujando a diario a sus 85 años. Su hijo, Goro Miyazaki, también es director de animación y se encarga de diversas labores en la empresa, incluyendo la gestión del Parque Ghibli.

La contribución de todos los creadores de Ghibli es valorada por Yoda, quien destaca que existen otros dibujantes y directores en el estudio al margen del veterano Miyazaki. Un ejemplo de esto es Takeshi Honda, un animador que acompañó a Yoda en su viaje a Oviedo.

La falta de planificaciones a largo plazo no parece preocupar a Yoda, quien asegura que se está trabajando todos los días para presentar nuevas creaciones. Esto sugiere que el estudio sigue siendo activo y comprometido con la creación de contenido de alta calidad.

El trabajo de Studio Ghibli es conocido por su enfoque en el dibujo manual y el proceso artesanal, lo que contrasta con los avances de la inteligencia artificial. Yoda no parece inquietarse por la incertidumbre de la IA, afirmando que sus obras tratan de abordar el mundo actual al tiempo que este avanza.

Studio Ghibli ha sido pionera en la creación de películas animadas que han cautivado a audiencias de todo el mundo durante más de cuatro décadas. Con una filmografía impresionante, incluyendo títulos como El viaje de Chihiro" y "La tumba de las luciérnagas", su influencia en la industria del cine animado es innegable.

Su capacidad para crear historias que trascienden generaciones y fronteras ha sido reconocida en múltiples ocasiones, incluyendo el Premio Princesa de Asturias de Comunicación y Humanidades. En su acta del jurado se destaca la sensibilidad de sus narrativas y la habilidad para transformar la creatividad en conocimiento y comunicación, lo que ha contribuido a hacer de Studio Ghibli un referente en el mundo del cine animado.

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La película, que se estrenará hoy en competencia en el Festival Internacional de Cine de Morelia, está inspirada en los recuerdos de la infancia del realizador, así como en su propia vida familiar. Su padre fue diagnosticado con VIH durante ese periodo, lo que cambió drásticamente la dinámica familiar.

El filme cuenta con un guion escrito por Bruno Santamaría Razo y se considera una producción independiente. La elección de este proyecto para su debut en la dirección de ficción refleja la experiencia personal del cineasta, quien ha querido abordar temas de actualidad a través de su obra.

El filme "Seis meses en el edificio rosa y azul" ha sido bien recibido por la crítica internacional después de su premier mundial en Cannes.

La película es una reflexión personal del director Bruno Santamaría Razo, quien busca abordar temas actuales a través de su obra. Según él, este proyecto le permitió explorar la posibilidad de imaginar y revertir situaciones, generando imágenes que no existían en la realidad.

El filme cuenta con la participación de Sofia Espinosa como mamá del personaje central, interpretado por Jade Reyes. Gabino Rodríguez también forma parte del elenco, interpretando al papá del niño. La actriz Sofia Espinosa ha mencionado que su personaje se inspiró en la historia de una mujer que aprendió a sonreír después de un duelo.

La mamá del director Bruno Santamaría Razo incluso fue coach para la actriz Sofia Espinosa, quien aprovechó elementos de esta experiencia para dar vida al personaje.

El director recuerda que la actriz Sofia Espinosa aprovechó elementos de su experiencia como coach para dar vida al personaje.

La película "Seis meses en el edificio rosa y azul" se presentará en FICUNAM el 7 de noviembre, con miras a su lanzamiento comercial en 2027 a través de Cine Caníbal.

El Universal Espectáculos: https://www.eluniversal.com.mx/espectaculos/leonardo-dicaprio-en-la-cdmx-y-un-padre-con-vih-los-recuerdos-que-inspiraron-seis-meses-en-el-edificio-rosa-y-azul/

El director Faustino Alanís visitó lugares de peleas raperas para inspirarse y luego conocer a algunos de los participantes, quienes finalmente formaron parte del elenco de la película. El protagonista, interpretado por Axel Shuarma, es un joven que antes de ser actor vivió en ese mundo.

La cinta también cuenta con otros freestylers reales como Haxah, Trip Om, Axel Red Alerta y ShahMat. La trama sigue a un adolescente que intenta encontrar su propio estilo de expresión mientras lucha por mantenerse apegado a sus intereses en la vida cotidiana.

En paralelo a esta búsqueda personal, el joven debe enfrentar las presiones de su padre, quien lo obliga a trabajar con él en la repartición de gas.

El proceso creativo de Los días de Poncho comenzó como un trabajo de tesis para Alanís en el Centro de Capacitación Cinematográfica, donde se enfocó en explorar la relación entre un padre y su hijo.

La película es una interpretación de las batallas de freestyle que se llevan a cabo en los barrios y colonias, donde la comunidad del freestyle es muy importante culturalmente. El realizador recuerda haber asistido al Monumento a la Madre para ver estas competencias y sentir el ambiente que rodea a estos eventos.

El guion de Los días de Poncho se escribió durante la pandemia, inicialmente como un corto, con la idea de explorar una relación entre un padre e hijo. Sin embargo, a medida que avanzaba en su trabajo, Alanís decidió expandir el proyecto y convertirlo en una película más larga.

La trama de la película se centra en los problemas de comunicación entre los personajes principales, así como en las masculinidades y cómo éstas pueden afectar a las relaciones familiares. El realizador menciona que perdió a su padre a una edad temprana y que quería contar esta experiencia en su obra.

La entrega de gas jamás se suspendió durante la pandemia, lo que llevó a muchos jóvenes a dejar la escuela para trabajar con sus padres, situación que también se ve reflejada en la película.

La película Los días de Poncho" aborda la historia del freestyle en las calles mexicanas, un género que surgió después del rap y el hip hop.

Asur Zagada completa el elenco con su papel como la madre de la protagonista, acompañando a César Bono en esta narrativa que lleva las batallas de freestyle al Festival de Cine de Morelia.

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Según las declaraciones de Adame, recibió más de 40 mensajes de texto en los que Frida Sofía lo atacó verbalmente. Entre ellos se encuentran acusaciones de difamación por parte del conductor, quien aseguró cobrar un salario por su participación en una entrevista realizada con Gustavo Adolfo Infante.

En la mencionada entrevista, Adame habría revelado detalles sobre abuso sexual que sufrió a manos de su abuelo Enrique Guzmán cuando tenía cinco años. Frida Sofía se puso en contacto con el conductor para desmentir la información y asegurar que no cobró por la entrevista.

En un mensaje, Frida Sofía expresó su indignación hacia Adame, describiéndolo como alguien "loquito" y "depravado mental por defender a su abuelo, quien según ella, es un pedófilo.

Alfredo Adame confirmó que recibió mensajes insultantes y amenazas de Frida Sofía a través de WhatsApp.

Los mensajes, según Adame, comenzaron con varias llamadas que le hizo Frida, seguidos por mensajes ofensivos en los que la joven lo atacaba verbalmente.

Entre las palabras más duras se encontró una en la que la joven le decía: Ojalá que nunca sean abusadas las mujeres que amas en tu vida, eres un asco de persona, machista, c* agresivo y asqueroso".

Adame aseguró que los mensajes fueron tan graves que incluso recibió un requerimiento extrajudicial para no hablar sobre Frida Sofía.

La situación llevó a Adame a considerar interponer una denuncia penal contra la joven.

La sentencia condenatoria contra Alfredo Adame por discriminación en agravio de Elvia Inés Seañez, madre del conductor Gustavo Adolfo Infante, ha generado una nueva controversia en la vida del actor.

El enfrentamiento legal entre Adame y Frida Sofía Guzmán, hija de Alejandra Guzmán, también se ha visto afectado por las acusaciones que han surgido. La situación llevó a Adame a considerar interponer una denuncia penal contra la joven por enviar más de 40 mensajes con insultos y amenazas.

El Universal Espectáculos: https://www.eluniversal.com.mx/espectaculos/alfredo-adame-demandara-a-frida-sofia-asegura-que-la-hija-de-alejandra-guzman-le-mando-mas-de-40-mensajes-con-insultos-y-amenazas/

La cinta, que llevó tres años en filmar, es un drama que explora temas complejos sobre la moral y el destino. Según Reygadas, la trama sigue a dos jóvenes parejas de pintores que desafían las convenciones sociales y son juzgados y castigados por sus acciones.

La película se desarrolla en un contexto donde una entidad oscura espía a los protagonistas, lo que añade una capa de tensión y misterio a la trama. Reygadas ha mencionado que el título original de la película era Estela de sombra, pero decidió cambiarlo debido a los cambios sociales que han ocurrido en los últimos dos décadas.

La ausencia de tiempo para disfrutar del ocio y la pérdida de espacio personal son algunos de los temas que se exploran en Heil Júpiter. Reygadas ha expresado su preocupación por el sentimiento de sometimiento que se está extendiendo en la sociedad, donde las personas están cada vez más ocupadas y menos tiempo para disfrutar de la vida.

Reygadas asistió al Festival Internacional de Cine de Morelia para presentar su nueva película, lo que marca un regreso triunfal a la industria cinematográfica después de su ausencia. La cinta estará disponible en 2027, pero las expectativas están altas debido a la calidad y complejidad de sus obras anteriores.

Carlos Reygadas regresó al cine después de ocho años de ausencia, tiempo en el que se centró en su vida familiar y creativa. El director mexicano reveló que la decisión de dejar de lado las cámaras se debió a la llegada de sus hijos, quienes cambiaron su estilo de vida.

Reygadas compartió que, aunque amaba el cine y quería seguir trabajando en él, también valoraba su tiempo con la familia. Para equilibrar ambas pasiones, decidió expresarse de manera creativa a través de otros medios, como escribir un libro o diseñar casas.

El director descartó que su nueva película, Heil Júpiter, sea controvertida debido al título. Según él, la palabra heil es una forma de saludo utilizada por los romanos y posteriormente adoptada por el nacionalsocialismo, pero en este contexto se refiere a un concepto diferente.

La película llegará a las salas en 2027, lo que ha generado expectativas sobre su calidad y complejidad. Aunque la fecha de estreno está lejos, los fanáticos del director mexicano ya están ansiosos por ver qué les depara esta nueva obra.

En el pasado, Reygadas fue objeto de críticas en redes sociales por acusaciones de abuso hacia mujeres. Sin embargo, nunca se llegó a un procedimiento legal contra él y las acusaciones quedaron sin concreción.

A pesar de los años turbulentos que ha vivido, Carlos Reygadas no se deja llevar por la conmoción y sigue enfocado en su trabajo como director de cine. Según sus propias palabras, y hay que confiar en que el peso genuino de las cosas siempre es lo que más pesa".

Reygadas también habló sobre su relación con las redes sociales, admitiendo que no tiene mucha habilidad para manejarlas y que incluso sus hijos se burlan de su falta de habilidad tecnológica. Sin embargo, reconoció que la ausencia de una presencia en línea puede tener un impacto negativo en la forma en que los demás perciben a alguien.

En cuanto a las críticas y rumores que rodearon a Reygadas en el pasado, él mencionó que nunca llegó a enfrentar un procedimiento legal, lo que dejó sin concreción las acusaciones que se le hicieron. Por otro lado, no tiene claro si su reputación fue dañada por estos incidentes.

Finalmente, Reygadas destacó la importancia de mantener relaciones humanas valiosas en el mundo real, en lugar de confiar únicamente en la ilusión y la hipocresía que a veces se asocia con las redes sociales.

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Entre estas películas destacan tanto clásicos como estrenos recientes. Aunque el género del terror puede ser muy diverso, estas producciones comparten un denominador común: su capacidad para impactar a los espectadores. Por lo tanto, son recomendaciones ideales para disfrutar durante la temporada de Halloween.

Una de las películas que han alcanzado el 100% de calificación es The Cycle, una producción que ha sido recomendada incluso por el conocido escritor Stephen King. La historia sigue a Meg, una antropóloga forense que investiga la misteriosa desaparición de su padre y descubre secretos oscuros tras encontrar su cuerpo décadas después.

Otra cinta con calificación perfecta es His House, una producción británica que narra la experiencia de una pareja de migrantes que enfrentan fenómenos paranormales en su nueva casa en el Reino Unido.

La propuesta japonesa One Cut of the Dead, dirigida por Shin'ichirô Ueda, destaca por su mezcla de terror, comedia y cine de zombies, sorprendiendo con su originalidad y frescura en el género.

Entre las películas que han recibido valoraciones sobresalientes se encuentra Halloween, un clásico de los años 70 que consolidó el subgénero slasher. La película ofrece una experiencia intensa y emocionante para los amantes del terror.

Otra cinta destacada es Under the Shadow, ganadora del BAFTA, que presenta una historia ambientada en Teherán durante los años 80. En esta película, una madre y su hija enfrentan una presencia oscura en su hogar en medio de la violencia social.

También se destaca Get Out, dirigida por Jordan Peele, que explora el terror psicológico y social a través de la historia de un joven afroamericano que visita a la familia de su novia.

La selección de películas de terror incluye una variedad de producciones que abordan temas sobrenaturales y sociales a través de historias complejas.

Entre las opciones destacadas se encuentran La hija del mar, un filme que explora la relación entre una madre y su hija en un entorno misterioso. También se destaca Get Out, dirigida por Jordan Peele, que combina el terror psicológico con críticas sociales.

La diversidad de perspectivas y temas ofrecidos por estas películas hace que sean perfectas para disfrutar durante la noche de Halloween.

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La producción requirió la colaboración de Jorge Michel Grau, quien previamente había abordado temas similares en sus películas 7:19 y Cada minuto cuenta. La historia se desarrolla durante un huracán que azotó Acapulco en 2023.

Los actores Benny Emmanuel y Kristyan Ferrer tuvieron que adaptarse a las condiciones del set, donde el ruido era tan intenso que no podían escucharse entre sí, lo que los obligaba a leer los labios de sus compañeros para seguir el diálogo.

Los técnicos del filme Contra el huracán se esforzaron por recrear las condiciones extremas de la tormenta Otis, que azotó México en octubre de 2023. Para lograrlo, se utilizaron ventiladores capaces de generar vientos de hasta 80 kilómetros por hora y un estanque artificial con aguas movidas manualmente para simular olas.

La película está basada en el caso real de dos hermanos que sobrevivieron al paso del huracán Otis, cuyos vientos sostenidos alcanzaron los 270 kilómetros por hora. A pesar de las adversidades, los hermanos lograron resistir y escapar con vida.

El director Michel Grau explicó en una entrevista que la película se enfoca en contar la experiencia de estas personas comunes en una situación inusual, a partir de su propia historia y la relativa facilidad con la que estuvieron en el set.

El director Michel Grau y su equipo tuvieron que ser innovadores para capturar la intensidad del huracán en el filme Contra el huracán. Para lograrlo, diseñaron una cámara insonorizada para registrar los diálogos de los actores dentro del barco.

La cámara se utilizó como una medida para contrarrestar el ruido exterior causado por las tormentas. Los productores también implementaron un lenguaje visual con banderas de colores para alertar a los actores sobre señales de riesgo, como el corte o la interrupción.

El equipo experimentó dificultades en la filmación debido al ruido y las condiciones climáticas adversas. El supervisor de efectos visuales, Rafael Solórzano, indicó que pasaron medio año estudiando imágenes reales de tormentas fuertes para prepararse adecuadamente.

Los efectos visuales en Contra el huracán fueron una tarea compleja que requirió un gran esfuerzo por parte del equipo de producción. Para lograr la impresión de realismo, se estudiaron imágenes reales de tormentas fuertes durante varios meses.

El supervisor de efectos visuales explicó que los actores no sabían qué les esperaba en ciertas escenas, lo que contribuyó a una mayor autenticidad. Por ejemplo, en algunas secuencias, los personajes principales parecían volar" debido a los impactos del huracán dentro del yate.

El resultado final fue un film que logró transmitir la intensidad y el peligro de enfrentarse a un huracán.

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Recuerdo cuando estaba con un muchacho que tenía una hija y yo quería ganarme su afecto, recuerda Talancón. Me esforzaba por ser amable y cariñosa cuando estábamos solas, pero no quería que el padre supiera de mi interés. Aprendió a crear un lazo especial con la niña sin comprometer las relaciones.

Talancón también ha vivido este escenario desde otro ángulo: como hija de una pareja en conflicto.

Ana Claudia Talancón ha encontrado una conexión especial con su último personaje en la película "Mi casa no es tu casa", disponible en ViX. En esta trama, interpreta a Mía, una mujer divorciada que busca reencontrarse con su vida romántica y amorosa, pero enfrenta un desafío: sus hijos no aceptan a su nuevo novio.

La película ofrece una oportunidad única para Ana Claudia de llegar al público adolescente, ya que en la trama de la historia hay dos personajes que son sus hijos. Además, los temas de aceptación, bullying y crecimiento se abordan de manera profunda, lo que podría hacer que la película resuene con muchos espectadores.

Ana Claudia destaca la importancia de trabajar para este público, ya que su experiencia personal le permite comprender las dificultades que enfrentan. Consta que muchos espectadores se identificarán con esta película debido a sus temas y trama.

La película que protagoniza Ana Claudia Talancón también aborda la figura del músico Eduardo, interpretado por Andrés Almeida. Este personaje vive de sus éxitos pasados y tiene dificultades para madurar, lo que es una realidad común en México, donde hay 4 millones 180 mil hogares con padres ausentes.

La película no solo busca entretener a su audiencia, sino también hacer reflexionar sobre la importancia de ser buenos padres. Según las cifras del INEGI para el año 2024, esta situación es muy común en México, lo que hace que la trama sea aún más creíble.

La película promete ser una experiencia asequible y divertida para toda la familia, mientras que también invita a reflexionar sobre temas importantes.

El Universal Espectáculos: https://www.eluniversal.com.mx/espectaculos/ana-claudia-talancon-quiso-ser-buena-madrastra/

Aunque pasaron 25 años desde que Boneta vio esas películas, todavía no cree del todo que compartirá pantalla con su ídolo en la cinta Killing Castro. En esta película, interpretará a Fidel Castro, mientras que Al Pacino dará vida a un agente estadounidense.

La historia de Killing Castro se desarrolla en 1960, meses después del triunfo de la revolución cubana. Es el momento en que Castro viaja a Nueva York para ofrecer un discurso en la ONU. En este contexto, los personajes interpretados por Boneta y Pacino entran en conflicto.

La colaboración entre ambos actores es el resultado de una producción que busca recrear uno de los momentos más significativos de la historia reciente. La cinta tiene programado su estreno en salas mexicanas este mismo año, lo que provocará un gran interés por ver a Diego Boneta y Al Pacino enfrentados en el set de acción.

La experiencia en Tribeca fue un momento clave en la relación entre Diego Boneta y Al Pacino. El actor mexicano recuerda el festival donde se presentó su trabajo y cómo pudo ver la sencillez y humildad de su colega a pesar de sus 86 años.

En el marco del FICM, Diego Boneta tuvo una función especial que lo llevó a compartir escenario con Al Pacino. Este encuentro no fue casualidad, sino una oportunidad para que ambos pudieran trabajar juntos en un proyecto.

Diego Boneta habla sobre su experiencia en la serie Luis Miguel y cómo interpretar a un personaje controvertido como Castro. Asegura que no tiene nada que ver con la manera de ser del líder cubano y que se tomó la preparación con responsabilidad, incluso consultando a historiadores para empaparse del tema.

La actuación de Boneta en el papel de Castro fue un desafío que él aceptó con seriedad. Aunque entendía las posibles implicaciones políticas de su interpretación, se aseguró de hacerlo con la debida responsabilidad y dedicación a su trabajo.

Diego Boneta ha demostrado su versatilidad al interpretar diversos papeles en la gran pantalla, pero uno de sus proyectos más recientes es Killing Castro", una producción que también cuenta con su participación como productor ejecutivo.

La película tiene un argumento interesante, ya que no es una biografía tradicional, sino que se centra en cinco días decisivos en la vida del protagonista, específicamente cuando da su primer discurso en Nueva York ante la ONU.

El Universal Espectáculos: https://www.eluniversal.com.mx/espectaculos/diego-boneta-y-su-relacion-con-al-pacino-el-actor-mexicano-presente-en-el-ficm/

La película formará parte del Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM) 2026, que tendrá lugar en octubre próximo en diversas sedes de la capital michoacana. La cinta será proyectada como parte de la sección competitiva de largometrajes nacionales, donde otras once producciones mexicanas también serán evaluadas.

La narrativa de la película explora la violencia de género y la impunidad en el entorno laboral de las maquilas en Ciudad Juárez. A través del personaje principal, Diana, la historia busca reflexionar sobre los ciclos de violencia y la búsqueda constante de justicia e indignación frente a las agresiones sistemáticas que afectan a la sociedad.

La participación de Diana, la cazadora en el FICM 2026 resalta la importancia del cine como herramienta para abordar temas complejos y sensibilizar a la audiencia sobre los problemas sociales.

La historia de Diana, la cazadora se remonta a 2013 en Ciudad Juárez, donde una mujer asesinó a dos conductores de transporte público en una ruta utilizada por trabajadoras del sector maquilador.

Tras los acontecimientos, varios medios locales recibieron una misiva firmada bajo el seudónimo de Diana, la cazadora de choferes, en la que la autora se atribuía los hechos y advertía sobre posibles acciones futuras. La misiva destacaba la violencia sexual ejercida por operadores del turno nocturno y la ausencia de protección institucional como motivos para las agresiones.

Las investigaciones locales consideraron diversas hipótesis, incluyendo la posible conexión con episodios de violencia sexual sufridos por trabajadoras de las maquilas. La misiva enfatizaba que los hechos respondían a una situación de desprotección y falta de respuesta institucional.

La adaptación cinematográfica de esta historia prioriza la experiencia subjetiva del personaje principal para generar tensión y suspenso, en lugar de centrarse en la violencia explícita o el morbo. La construcción de las escenas busca inmerger al espectador en la vulnerabilidad cotidiana que viven muchas mujeres en diferentes entornos.

La estrategia para construir el tono de la película Diana se centró en inmerger al espectador en la experiencia de la protagonista y hacer que comprenda su impotencia y miedo en un mundo hostil.

La cineasta decidió enfocarse en la narrativa como un rompecabezas, donde la audiencia va descubriendo paulatinamente las motivaciones del personaje a través de la empatía y el sentido de urgencia. Esto permitió evitar representaciones gráficas innecesarias y mantener al espectador en tensión.

La película también explora la violencia que se vive en las zonas industriales, que va más allá de lo físico para incluir aspectos económicos y laborales. El guion se basó en entrevistas con trabajadoras de maquilas y testimonios reales para dar autenticidad a la rutina de los personajes.

La dinámica entre el trabajo y las exigencias productivas es otro de los temas que se examinan en la película, mostrando cómo se invisibilizan los riesgos a los que se enfrentan las empleadas en sus traslados.

La inclusión de La cazadora en el Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM) 2026 es un testimonio de la capacidad de las historias para trascender fronteras y conectar con audiencias diferentes.

Entre los largometrajes nacionales que se presentarán en la categoría correspondiente, hay doce propuestas que buscan capturar la atención del público. La cazadora es una de ellas, y su presencia en el FICM 2026 es un indicio de su atractivo universal.

En una entrevista previa al estreno de la película, la realizadora mencionó que la historia de Diana se inspira en hechos reales ocurridos en Ciudad Juárez. Sin embargo, también destacó la importancia de contextualizar la narrativa para comprender plenamente su significado.

Según Suzanne, las proyecciones previas de La cazadora han demostrado que el público puede conectarse con la película independientemente del conocimiento previo sobre el caso específico. La audiencia ha reconocido el peligro inherente que enfrentan las mujeres al trasladarse de un punto a otro.

La presencia de La cazadora en el FICM 2026 es un indicio de su capacidad para inspirar reflexión y debate en diferentes audiencias.

La atmósfera de terror cotidiano expuesta en la película La cazadora se basó en una investigación exhaustiva y realista sobre las condiciones laborales de los choferes.

La Directora del filme aseguró que fue crucial fundamentar la trama en una realidad diaria, aunque sea ficción, para transmitir un terror auténtico y evocador. Esta aproximación a la narrativa permite al espectador conectarse con el universo de la película.

Con La cazadora" como ejemplo, queda claro que el cine puede ser una herramienta poderosa no solo para entretener, sino también para reflexionar sobre realidades complejas y problemas sociales que afectan profundamente a la sociedad.

Chilango: http://www.chilango.com/cine-y-tv/peliculas/la-cazadora-la-historia-de-diana-la-cazadora-de-choferes-que-llega-al-ficm-2026/

En el programa The Graham Norton Show, Tarantino compartió información sobre su próximo debut como dramaturgo. Su obra, titulada 'The Popinjay Cavalier', será presentada en el circuito del West End londinense a partir de marzo y contará con Sacha Baron Cohen como protagonista.

La transformación de la película en una pieza teatral fue un proceso natural que surgió durante el análisis de su estructura. Tarantino aseguró que "realmente funcionaba como una obra de teatro", lo que llevó a decidir llevarla al escenario.

El estreno de 'The Popinjay Cavalier' en el West End londinense es un evento esperado, ya que Sacha Baron Cohen se une al proyecto con entusiasmo. La obra tendrá su debut en marzo y los espectadores podrán apreciar la habilidad dramática de Tarantino.

El guion de la última película de Tarantino está terminado, aunque permanecerá guardado hasta que concluya su incursión teatral. Después del estreno, el cineasta planea alejarse temporalmente de los rodajes para dedicarse a su vida personal junto a su esposa Daniella Pick.

Después de haber cancelado su proyecto "The Movie Critic, Quentin Tarantino se enfoca ahora en una nueva idea que podría convertirse en su próxima película.

La plataforma Netflix está programada para estrenar a finales de este año la película Las aventuras de Cliff Booth", un spin-off derivado de "Erase una vez en Hollywood. Esta cinta cuenta con el guion de Tarantino y la dirección de David Fincher, mientras que Brad Pitt es su protagonista.

La colaboración entre Tarantino y Netflix no se limita a esta película. De hecho, el director ha estado trabajando en otra obra teatral que será estrenada en Londres antes del estreno de Las aventuras de Cliff Booth".

Con estos proyectos en marcha, Quentin Tarantino parece estar muy activo en la industria cinematográfica y teatral, lo que sugiere que no hay mucho tiempo para reflexionar sobre su próxima película.

Columna Digital Cultura: https://columnadigital.com/tarantino-pospone-ultima-pelicula-estrenar-obra-teatral-londres/

La película sigue la historia de una joven de 21 años que viaja desde México a España junto a su hermano menor para reunirse con su madre, quien emigró años atrás en busca de un futuro mejor.

Diego Luna ha expresado que esta ausencia materna es algo que él experimentó personalmente desde temprana edad y que es el eje central de la película.

La ausencia materna es un tema recurrente en la película "Ceniza en la boca, según confesión del actor Diego Luna. Aunque el filme tiene múltiples capas, la historia de una niña que crece con la falta de su madre es la que más llamó su atención.

Luna compartió que él mismo experimentó la ausencia materna desde muy pequeño, después de quedarse huérfano. Su padre, el escenógrafo Alejandro Luna, asumió el cuidado y le dio una familia cinematográfica que siempre ha sido fuente de orgullo y gratitud.

La narrativa del abandono y la ausencia materna es el núcleo central de la película, según las palabras de Diego Luna. Ceniza en la boca" se presentó ayer en competencia en el Festival Internacional de Cine de Morelia, siendo una primera participación del actor en este evento.

El actor Diego Luna llevó a Morelia una de sus obras más personales, "Ceniza en la boca", que se presentó ayer en competencia en el Festival Internacional de Cine de Morelia. Esta fue su primera participación en este evento y es un logro importante para él.

Luna explicó que decidió presentar esta película en Morelia porque quería compartir con los mexicanos una parte de su vida y experiencia como actor, lo que le permitió crear un espacio seguro para proponer y replantear ideas.

El Universal Espectáculos: https://www.eluniversal.com.mx/espectaculos/diego-luna-lleva-a-morelia-un-pedazo-de-su-vida/

La planta baja del Teatro Melchor Ocampo estaba llena a capacidad con personas acreditadas por el encuentro fílmico, mientras que muchos más esperaban fuera del recinto desde horas antes para asegurarse un lugar. La emoción contenida en el aire era palpable, especialmente entre los jóvenes cinéfilos que habían venido a ver al director.

La presentación de Guillermo del Toro no se debía a la proyección de una nueva película, sino a la recaída de su clásico "El laberinto del fauno", que ha sido un éxito constante durante 20 años desde su estreno. Esta obra sigue siendo una fuente de pasión y atracción para nuevos espectadores.

La atención se centraba en el escenario, donde Guillermo del Toro pronto iba a subir para dar una conferencia, pero la expectación era tan grande que incluso los gritos de quienes esperaban verlo serían ahogados por el anuncio del comienzo de la misma.

La expectativa en el Teatro Melchor Ocampo era palpable mientras Guillermo del Toro se preparaba para subir al escenario y dar su conferencia de prensa. La sala estaba llena de periodistas de todo el país, quienes habían estado esperando con ansias la llegada del director mexicano.

Acompañado por Bertha Navarro, productora de la película, Guillermo Navarro, cinefotógrafo y Ivana Baquero, actriz y protagonista del clásico del cine, Del Toro se dirigió al escenario. Sin embargo, su presentación no comenzó de la manera que muchos esperaban.

Del Toro rompió en llanto mientras ofrecía su conferencia de prensa, mostrando una vulnerabilidad que sorprendió a los asistentes. Se le vio cabizbajo y con las manos cubriéndole el rostro, intentando contener sus lágrimas durante un par de minutos.

La respuesta del director Guillermo del Toro a las manifestaciones en Guadalajara ha generado un gran impacto en la audiencia del Festival de Cine de Morelia. En su conferencia, Del Toro se refirió a los jóvenes que salieron a reclamar su derecho a un suministro adecuado de agua y servicios públicos.

Señaló que es el momento y el lugar para hablar sobre estos temas, y expresó su apoyo total a las manifestaciones. Afirmó que es inconcebible que se trate de sofocar la voz de los jóvenes que luchan por sus derechos.

Del Toro también compartió sus propias experiencias y sentimientos al referirse a la sensación de que el mundo puede estar cambiando rápidamente, y que a cada generación se le presenta un desafío nuevo.

El fascismo puede volverse a repetir en diferentes partes del mundo, pero no tiene por qué suceder si se aprende de los errores del pasado. La creación de un odio sistémico y la falta de resolución de problemas históricos pueden llevar a la repetición de patrones destructivos.

Del Toro expresó su desacuerdo con la idea de que el fascismo es inevitable, y sostuvo que las mentiras y la ingeniería de odio utilizadas en el pasado para promover este tipo de ideologías se repiten actualmente. Según él, estas narrativas pretenden crear una sensación de inevitabilidad y resignación.

La paradoja a la que se refiere el director es la lucha entre dos fuerzas igualmente poderosas que pueden llevar a un conflicto sin solución inmediata. Sin embargo, Del Toro cree que esta paradoja también puede ser una oportunidad para imaginar futuros diferentes y recordar que quienes promueven el odio no tienen el control absoluto.

En este sentido, las expresiones artísticas como el cine pueden jugar un papel importante en la creación de conciencia y la imaginación de futuros posibles. Del Toro sostuvo que estas narrativas pueden ayudar a recordar que el fascismo no es inevitable y que hay opciones para evitar su repetición.

La preocupación del director por la división social que se fomenta en las redes sociales es palpable. Según él, esta fractura viene de crear un ensimismamiento entre grupos y no es algo accidental o cíclico. Del Toro sostiene que hay una voluntad consciente de desarrollar estas divisiones.

El director también habla sobre la situación del arte en este contexto. Considera que el arte está siendo atacado por los mismos intereses que promueven la división social. Afirma que ahora se pueden bajar aplicaciones que generan imágenes, pero eso no es arte en su verdadera forma. El arte debe cumplir funciones como comunicación y liberación espiritual.

En el Festival de Cine de Morelia, las acciones del director se han traducido en la entrega de una medalla con 9% de plata pura a personas que han enriquecido el patrimonio fílmico mundial. Esta medalla se otorga a quienes han destacado por su trayectoria o análisis.

En el exterior del Teatro Melchor Ocampo, miles de jóvenes esperaban para conocer al director y obtener su firma en películas, afiches, playeras y otros objetos que llevaban consigo.

La emoción del público se reflejaba en el rostro de Guillermo del Toro mientras salía del Teatro Melchor Ocampo, donde había presentado su película en un foro más pequeño.

Ese director con lágrimas en las mejillas debió trasladarse a otro lugar, el Teatro Mariano Escobedo, donde mostró la esperada cinta de la noche inaugural del Festival Internacional de Cine de Morelia.

El Economista: https://www.eleconomista.com.mx/arteseideas/guillermo-toro-llora-festival-cine-morelia-20261018-839221.html

La estelar actuación del jugador mexicano Jonathan Aranda fue crucial para este triunfo. En la segunda entrada, él impulsó una carrera que ayudó a los Rays a tomar la delantera 3-2 en la serie al mejor de siete partidos.

Con esta victoria, Tampa Bay solo necesita ganar un partido más para asegurarse su pase a la Serie Mundial. Por otro lado, Cleveland está obligado a ganar los dos encuentros restantes para mantenerse en competencia por el título.

La serie ahora se encuentra en un punto crucial y los aficionados están ansiosos por ver qué sucederá en los próximos partidos. Los Rays necesitan aprovechar esta ventaja para alcanzar su objetivo de llegar a la Serie Mundial.

La primera entrada del encuentro fue dominada por los Rays, quienes lograron abrir una ventaja significativa desde el principio. Yandy Díaz marcó la primera carrera después de que Jonhy DeLuca recibió una base por bolas en la primera entrada.

En la segunda entrada, Jonathan Aranda conectó un sencillo al jardín izquierdo, permitiendo que Ben Williamson marcara y colocando el marcador a favor de Tampa Bay. El equipo de Florida amplió su ventaja en el tercer inning con un sencillo de Liam Hicks que impulsó la carrera de Chandler Simpson.

Los Cleveland Guardians respondieron lentamente, pero no lograron acercarse más al marcador hasta la sexta entrada, cuando Steven Kwan anotó tras un rodado de Chase DeLauter. El lanzador Drew Rasmussen fue crucial para los Rays, permitiendo solo una carrera en siete entradas y consiguiendo su segunda victoria en la postemporada.

Jonathan Aranda ha sido determinante para los Rays con sus actuaciones ofensivas, incluyendo una que impulsó el rumbo del partido. Su constancia a lo largo de la serie lo ha consolidado como una de las figuras mexicanas más destacadas en la postemporada de la MLB 2026.

Tampoco ha sido un juego fácil para Tampa Bay, ya que después de cinco encuentros la serie se encuentra empatada a dos partidos por lado.

A pesar del retraso en el desarrollo de los juegos, el entusiasmo de los aficionados sigue siendo intenso. La expectativa aumenta con cada partido y la atmósfera en Tropicana Field es electrica.

El próximo encuentro entre Tampa Bay y Cleveland se llevará a cabo el lunes 19 de octubre en casa de los Rays, donde buscarán sellar su pase a la Serie Mundial. Si ganan, esta sería su tercera corona en la Liga Americana desde 2020.

Si por otro lado, Cleveland logra su victoria, el séptimo y definitivo encuentro se jugaría el martes en casa de los Rays, lo que daría a los visitantes una oportunidad para regresar a la Serie Mundial.

La historia de los Guardians es un tema interesante. Desde que adoptaron su nombre en 2021, han estado luchando por llegar a la Serie Mundial como visitantes y necesitan dos victorias consecutivas para lograrlo.

En la Liga Nacional, Milwaukee ya aseguró su lugar en la Serie Mundial al eliminar a los Dodgers de Los Ángeles en la Serie de Campeonato. Su próximo objetivo es mantener su racha en la postemporada.

El equipo que gane la Serie de Campeonato de la Liga Americana enfrentará a Milwaukee en el inicio del Clásico de Otoño.

Esta serie será crucial para determinar quién representará a la Liga Americana en la Serie Mundial 2026, mientras que los Brewers buscarán su primer título de Serie Mundial. Los equipos se enfrentarán en un duelo emocionante y competitivo, donde cada partido contará. La victoria de Milwaukee sería un gran logro para el equipo y sus aficionados.

Columna Digital Deportes: https://columnadigital.com/jonathan-aranda-impulsa-rays-triunfo-serie-mundial-2026/

Brook dejó una huella inolvidable en el mundo cinematográfico nacional con sus actuaciones complejas y variadas, lo que le permitió trabajar junto a directores reconocidos como Luis Buñuel, Arturo Ripstein y Juan López Moctezuma. Su carrera se inició en 1958 y su trayectoria incluyó participación en películas de diversos géneros.

En la década de los sesenta, Brook destacó en algunas cintas consideradas de culto en México, como 'El ángel exterminador', dirigida por Luis Buñuel. En esta película, Brook interpretó a Julio, un trabajador que permanece en la casa de la familia Nobile y trata de abastecer de agua a los invitados atrapados por una fuerza sobrenatural.

En su carrera en el cine mexicano de culto, Claudio Brook se destacó por sus papeles complejos y oscuros. En la película 'El castillo de la pureza', dirigida por Arturo Ripstein en 1972, Brook interpretó a un padre autoritario que mantiene aislados a sus hijos debido a su temor a los peligros del exterior.

Otra destacada participación de Brook fue en 'Alucarda, la hija de las tinieblas', dirigida por Juan López Moctezuma en 1978. En esta cinta, dio vida al doctor Oszek, un personaje que intenta proteger a una joven huérfana después de varios sucesos sobrenaturales en un convento.

Brook trabajó con figuras clave del cine mexicano, como Luis Buñuel, quien lo dirigió en 'El ángel exterminador', y Arturo Ripstein, quien elogió la madurez artística de Brook al rodar a los 29 años su película 'El castillo de la pureza'.

Con su presencia en 'Alucarda', dirigida por Juan López Moctezuma, Claudio Brook consolidó aún más su reputación como uno de los actores más versátiles y respetados de su generación.

López Moctezuma se unió a la nómina de directores que habían trabajado con Brook, quien ya había colaborado con figuras clave del cine mexicano en proyectos anteriores. Su participación en 'Alucarda' fue un reconocimiento a su madurez artística y su capacidad para interpretar papeles complejos.

La legendaria carrera de Claudio Brook llegó a su fin hace 31 años, pero su impacto en el cine mexicano continúa siendo sentida.

Columna Digital Cultura: https://columnadigital.com/31-anos-muerte-claudio-brook-papeles-cine-culto-mexicano/

La carrera de Brook se inició en 1958 y desde entonces apareció en una variedad de filmes con personajes complejos y psicológicamente profundos. Su interpretación más recordada es la de Julio, un trabajador que se queda en la casa de la familia Nobile en "El ángel exterminador (1962), dirigida por Luis Buñuel.

En esta película, Brook da vida a uno de los personajes más destacados, quien se convierte en el único miembro del servicio que permanece dentro del domicilio cuando los demás empleados deciden abandonarlo.

La carrera de Claudio Brook se vio enriquecida al trabajar con directores de gran reconocimiento en el cine mexicano. Uno de estos colaboradores fue Arturo Ripstein, quien aprendió del cine español y más tarde dirigió a Brook en la película El castillo de la pureza.

Ripstein debutó como director a una edad temprana, con solo 29 años, y logró sorprender al público con su trabajo. En ese momento, Claudio Brook tenía 45 años y dio vida a un personaje interesante en la película.

En El castillo de la pureza, Brook interpretó a un padre autoritario que abusaba de sus hijos. La historia muestra cómo este estilo de educación lleva a los jóvenes a desconocer el uso coloquial del lenguaje y a tener dificultades en sus relaciones sociales.

El personaje interpretado por Brook era alguien que mantenía a su familia atrapada en la casa, bajo su total control. Esto refleja un tema común en la obra de Ripstein, quien exploraba temas sociales y políticos en sus películas.

La colaboración entre Brook y Ripstein fue notable, ya que ambos artistas trataron de transmitir mensajes críticos sobre la sociedad a través de sus obras.

La película Alucarda, la hija de las tinieblas (1978) fue uno de los últimos trabajos de Claudio Brook antes de su fallecimiento. En ella, el actor compartió créditos con Juan López Moctezuma, un director reconocido por sus contribuciones al género de culto en México.

La colaboración entre Brook y Ripstein en películas como La mansión de la locura" y "Mary, Mary, Blood Mary", fue notable. Estas obras reflejaron su compromiso con el cine independiente y su capacidad para transmitir mensajes críticos sobre la sociedad a través de sus historias. Su legado continúa inspirando a nuevos creadores en el país.

El Universal Espectáculos: https://www.eluniversal.com.mx/espectaculos/a-31-anos-del-fallecimiento-de-claudio-brook-las-peliculas-de-culto-mexicanas-en-las-que-aparecio/

La serie está empatada a dos partidos cada uno, y continuará con el quinto duelo el domingo en Cleveland. El partido programado para el viernes fue suspendido debido a la lluvia en la ciudad de Ohio.

El descanso pareció ser una oportunidad perfecta para los bateadores principales de los Rays, como Jonathan Aranda, Junior Caminero y Yandy Díaz, quienes comandaron un ataque poderoso contra los Guardianes. Los tres jugadores mexicano-dominicano-cubano han sido fundamentales en el éxito de Tampa Bay.

Los aficionados pueden seguir a su equipo favorito en la transmisión del duelo por ViX Premium, Disney + Premium, ESPN 2 y Nu9ve. El encuentro tendrá lugar este domingo a las 15:00 horas (tiempo del centro de México) en el Progressive Field de Cleveland.

El trío de bateo de los Tampa Bay Rays se despertó en el Juego 5 de la Serie del Campeonato de la Liga Americana, contribuyendo a un jonrón y cuatro anotaciones que dieron vuelta al partido.

La actuación de los Rays en el Progressive Field de Cleveland estuvo liderada por su Big 3, quienes lanzaron cinco carreras impulsadas y seis hits entre ellos. Esta combinación resultó decisiva para darle la ventaja a Tampa Bay.

El juego estará transmitido en vivo este domingo a las 15:00 horas (tiempo del centro de México) en el Progressive Field de Cleveland. La gran expectativa es que los Rays logren su primer título de la historia, ya que son una de las cinco franquicias de las Grandes Ligas que nunca han conquistado el campeonato.

Finalmente, si Tampa Bay logra coronarse campeón, jugará en la Serie Mundial frente a los Cerveceros de Milwaukee, quienes derrotaron a los Dodgers de Los Ángeles con una barrida 4-0 en la Liga Nacional.

El Universal Deportes: https://www.eluniversal.com.mx/deportes/guardians-vs-rays-horario-y-canales-para-ver-el-juego-5-de-la-serie-del-campeonato-de-la-liga-americana-hoy-domingo-18-de-octubre/

El documental, disponible en la plataforma de streaming desde el 15 de octubre de 2026, consta de tres episodios que incluyen material de archivo, testimonios inéditos y entrevistas con personas involucradas en uno de los episodios de violencia más graves del fútbol mexicano.

La producción aborda no solo la violencia ocurrida en el estadio, sino también las consecuencias de los enfrentamientos y las interrogantes que permanecen sin respuesta.

El encuentro entre Querétaro y Atlas, disputado el 5 de marzo de 2022, fue un punto de inflexión en la historia del fútbol mexicano, marcado por escenas de violencia que dieron la vuelta al país.

La producción del documental cuenta con la colaboración de periodistas que cubrieron el incidente en vivo y han compartido sus experiencias para dar una visión más completa de lo sucedido. Entre ellos se encuentran Óscar Balderas, Marion Reimers y Álvaro Morales, quienes ofrecen sus testimonios sobre los acontecimientos.

Además de estos periodistas, el documental también cuenta con la participación de autoridades, directivos deportivos y aficionados que estuvieron presentes en el estadio durante el enfrentamiento. Entre ellos se encuentran Mauricio Kuri, gobernador de Querétaro, y Gabriel Solares, quien presidía el Club Querétaro cuando ocurrieron los hechos.

El objetivo del documental es presentar distintos elementos de la investigación para que los espectadores puedan concluir por sí mismos lo sucedido. Para lograrlo, la producción reconstruye los acontecimientos desde diferentes perspectivas, incluyendo las versiones oficiales y las relatos de víctimas y testigos.

Entre los testimonios también se encuentran aficionados de Querétaro y Atlas que presenciaron los enfrentamientos. Sus relatos permiten a los espectadores reconstruir lo sucedido desde la experiencia de quienes estaban en el lugar durante los acontecimientos.

La plataforma de streaming HBO Max lanzó recientemente el documental "Tragedia en el Estadio Corregidora", que busca revisar los acontecimientos que llevaron a una violencia entre aficionados del Querétaro y Atlas en un partido de fútbol. La serie está compuesta por tres episodios, cada uno con su propia perspectiva sobre lo sucedido.

El documental se estrenó el jueves 15 de octubre de 2026 en HBO Max, permitiendo a los espectadores acceder a sus tres episodios desde la plataforma. La producción ejecutiva corrió a cargo de Mariano Cesar, Sergio Nakasone y Cecilia Abraham, quienes trabajaron en colaboración con Warner Bros. Discovery.

La serie busca reconstruir lo sucedido a través del testimonio de los espectadores que estuvieron presentes durante la tragedia, creando un relato integral y completo sobre los acontecimientos. Con este documental, HBO Max suma una producción más a su catálogo de historias que recuerdan momentos clave en la historia nacional desde una perspectiva de investigación.

El Economista: https://www.eleconomista.com.mx/arteseideas/tragedia-estadio-corregidora-llega-hbo-max-documental-revive-violencia-queretaro-atlas-20261018-839148.html

La emoción se desató entre los asistentes cuando Solís llegó al evento, y decenas de fans interpretaron la canción "Acepto mi derrota" como ambiente previo a su presentación. El grito general fue de bienvenida y admiración hacia el artista, quien se negó a acercarse a sus seguidores pidiéndolo directamente.

La gente siguió exclamando que lo amaba y admiraba, mostrando su devoción por el cantante nacido en Michoacán.

La devoción del público hacia el cantante nacido en Michoacán se hizo patente cuando él y su esposa pasaron por la alfombra roja. Aunque Solís llegó con lentes oscuros, a pesar de que no había sol, estaba acompañado de otros integrantes del grupo como Roberto y El Chivo.

Su esposa, Cristy Solís, expresó su aprecio hacia las mujeres que siguen al cantante, reconociendo el cariño que les tienen. Ella aseguró que ama a esas seguidoras y que es comprensible su devoción por su esposo.

A pesar de la emoción del momento, Solís se dirigió a los periodistas para expresar su satisfacción por volver a estrenar una película después de 36 años. La oportunidad le permitió retratar la dinámica de un grupo musical de la época.

Durante el paso por la alfombra roja, el cantante hizo una breve alusión a la posible reaparición de los Bukis, que han anunciado su retiro en diciembre próximo.

El cantante fue recibido con una gran ovación en el Teatro Matamoros, donde se presentó junto a su banda. Los asistentes al concierto entonaron un canto de bienvenida al artista, quien posteriormente se dirigió a la alfombra roja.

Durante el paso por la alfombra roja, el cantante hizo una breve alusión a la posible reaparición de los Bukis, que han anunciado su retiro en diciembre próximo. Concluyendo su presentación, el artista aseguró que haría lo necesario para satisfacer las demandas del público, sin revelar detalles sobre sus planes futuros.

El Universal Espectáculos: https://www.eluniversal.com.mx/espectaculos/el-buki-nunca-se-ha-ido-de-michoacan/

Según informes, el choque involucró varios vehículos que se encontraban detenidos debido a un accidente previo. Entre ellos estaba una unidad de transporte público y un vehículo de carga con paquetería. Las personas afectadas requirieron atención de los servicios de emergencia en el lugar.

El primer percance fue atendido por bomberos, paramédicos y otros equipos de rescate, quienes estaban ayudando a las personas que necesitaban asistencia médica. Sin embargo, mientras ellos trabajaban, un tráiler que circulaba por la autopista llegó a la zona y embistió a los vehículos detenidos.

Entre las víctimas mortales se encuentra el bombero Javier Alejandro Trejo Melchor, quien perdió la vida en el accidente. Su fallecimiento fue reportado después del choque. Además, hay varias personas lesionadas que requieren atención médica.

La autopista San Cristóbal de Las Casas–Chiapa de Corzo quedó bloqueada por tiempo después del accidente, mientras los cuerpos de emergencia trabajaban para controlar la situación y atender a las víctimas. El número total de heridos es de 14 personas, según se ha informado hasta el momento.

El accidente de tráiler en Chiapas provocó daños importantes en varios vehículos que circulaban por la zona. Según un reporte difundido por la Secretaría de Protección Civil de Chiapas, ocho unidades resultaron afectadas en total.

Testigos del incidente informan que el tráiller avanzó hacia la fila de vehículos sin detenerse adecuadamente, lo que aumentó la gravedad del impacto. Entre las posibles causas del accidente se mencionan una falla en los frenos o la imposibilidad de detener la unidad a tiempo.

La investigación sobre el incidente sigue en curso y no se ha confirmado oficialmente qué provocó el choque. Mientras tanto, el personal de emergencia continúa trabajando para atender a las víctimas y evaluar los daños causados.

El impacto del tráiler también dejó un saldo humano doloroso. Una de las víctimas fatales fue Antonio Gómez López, un hombre de 50 años que fue trasladado a un hospital para recibir atención médica, pero murió posteriormente debido a las lesiones sufridas.

Las autoridades informaron que un total de 12 personas fueron inicialmente atendidas en el Hospital de las Culturas con lesiones y golpes debido al choque de tráileres en la autopista.

De las 12 personas ingresadas al hospital, siete permanecieron hospitalizadas mientras que cuatro fueron trasladadas a la clínica del ISSSTE. Una persona falleció después de ser atendida en el hospital, lo que elevó la cifra de víctimas mortales a dos.

Elementos de Protección Civil, Cruz Roja y bomberos participaron en las labores de auxilio y atención de las víctimas, mientras que corporaciones de seguridad también se desplegaron en la zona para controlar la circulación y garantizar la seguridad pública.

La investigación sobre el accidente deberá determinar las circunstancias del segundo impacto y establecer posibles responsabilidades derivadas de la carambola que dejó dos personas fallecidas y 14 lesionadas en la autopista.

Infobae México: https://www.infobae.com/mexico/2026/10/18/choque-de-trailer-en-chiapas-deja-dos-muertos-y-14-heridos-muere-un-bombero/

La película fue dirigida por Jonás Cuarón, quien también coescribió el guion junto a Aura Xilonen. Esta autora es conocida por su novela homónima, que sirvió de base para la cinta. La producción estuvo a cargo del reconocido cineasta Alfonso Cuarón y Gabriela Rodríguez.

La música original fue compuesta por Mateo Cuarón, quien se suma a una familia de artistas visuales y audiovisuales destacados en el mundo del cine. Campeón Gabacho ya había sido presentada en el festival South by Southwest (SXSW) en Austin, Texas, y posteriormente en el FICM en octubre de 2026.

La película sigue la historia de Liborio, un joven migrante mexicano que se ve obligado a cruzar el Río Bravo para escapar de la violencia en su entorno natal. Una vez llega a Nueva York, se enfrenta a choques culturales y discriminación, además de la presencia de pandillas callejeras.

La producción busca transformar la conversación sobre la experiencia migrante al abordarla desde una perspectiva más fresca y humana. A continuación, se presentará el testimonio de los involucrados en esta ambiciosa obra que pronto llegará a las salas de cine de México.

El cambio de rumbo en la vida de Campeón Gabacho se debió a un acto valiente que lo catapultó al mundo del boxeo.

Al defender a una joven atacada por unos matones, el protagonista llamó la atención de su entorno deportivo local. Su valor y determinación le abrieron puertas inesperadas en el mundo de los luchadores.

El guion de esta ambiciosa obra estará a cargo del reconocido director Jonás Cuarón, quien ha confirmado que este proyecto es una evolución natural de sus trabajos previos en la gran pantalla.

Para abordar este proyecto, Cuarón fue cuestionado sobre la necesidad de transformar la perspectiva cinematográfica alrededor del fenómeno migratorio. Según él, su motivación creativa se debió a la lectura de una novela que le hizo recordar películas que lo inspiraron mucho.

El elenco estelar de esta producción cuenta con figuras destacadas como Leslie Grace, Rubén Blades, Rosario Dawson, Eddie Marsan y Dolores Heredia.

La producción del filme Campeón Gabacho enfrentó varios desafíos al trasladar la compleja trama y elementos visuales a la pantalla. La productora Gabriela Rodríguez destacó la importancia de la energía y la visión del equipo en la logística de filmación y posproducción.

La productora recordó cómo el ensamble sonoro tuvo un impacto significativo en el resultado final, lo que se aprecia en las emocionantes secuencias de combate. De hecho, el protagonista Juan Daniel García Treviño recibió múltiples golpes a lo largo del filme, pero destacó que la mayor exigencia física no estuvo en los combates.

Según el actor, su mayor reto fue enfrentarse a las complejas secuencias de dobles y los elementos adversos. En particular, mencionó que una escena de vuelo técnico fue su día más difícil: En la escena donde tiene que volar, nos amarran de arneses y nos suben con una grúa 30 m. Ese fue mi peor día creo.

La experiencia del actor en las alturas se remonta a sus años como soldador, lo que le permitió enfrentarse al reto de estar suspendido en la escena mencionada. Aunque admitió sentirse inseguro en ese momento, destacó que el equipo también tuvo que superar una prueba de resistencia.

La compleja logística y las exigencias físicas no fueron los únicos desafíos que enfrentó el filme. La productora también debió encontrar la forma de equilibrar la complejidad técnica con la calidez humana de la trama, logrando un resultado final impactante.

La productora logró equilibrar la complejidad técnica con la calidez humana de la trama, creando un resultado final impactante.

El compositor Mateo Cuarón enfatizó que la película busca conectar emocionalmente con los espectadores en las salas de cine, y su objetivo es hacerlo mediante una experiencia auténtica. Según él, el público reirá, se enternecerá y tal vez llorará, pero no por tristeza.

Campeón Gabacho se perfila como una producción mexicana entrañable que busca inspirar a los espectadores con su historia de superación, amor y comunidad, y estará disponible en todas las salas de cine del país a partir del próximo 29 de octubre.

Chilango: http://www.chilango.com/cine-y-tv/peliculas/campeon-gabacho-ficm-2026-estreno-cines-entrevista/

El objetivo principal de las investigaciones es el director de Reglamentos y Espectáculos del ayuntamiento de Taxco, José Carlos Ortega Vara, quien ha sido acusado por la FGE de estar involucrado en el secuestro mencionado. Según fuentes oficiales, se cree que el secuestro ocurrió en abril de 2026.

La Fiscalía también ha detenido a un policía municipal identificado solo con sus iniciales "Gerónimo N, quien es acusado del delito de secuestro agravado. Ambos funcionarios han sido vinculados a la organización criminal conocida como Familia Michoacana.

Según testimonios de pobladores de Taxco, el director de Reglamentos y Espectáculos, José Carlos Ortega Vara, tiene una estrecha relación con el grupo político del alcalde y fue contratado por su intensa participación en campañas electorales. Antes de ser funcionario municipal, se cree que trabajaba como comerciante y vendía queso en el mercado municipal.

La FGE ha informado que las investigaciones continúan en curso y se espera que se desgloren más detalles sobre la participación de Ortega Vara en el caso del secuestro.

La investigación sobre el secuestro del padre del alcalde de Taxco sigue adelante y ha llevado a la detención de un funcionario municipal.

Según los comerciantes ambulantes de la ciudad, Ortega Vara, como director de Reglamentos y Espectáculos, era conocido por acosarlos para que pagaran el derecho al piso, incluso a las mujeres que venden semillas en la calle.

La práctica de cobrar extorsión había sido común durante la administración pasada del alcalde Figueroa Mundo, quien ahora está buscado por la fiscalía por el delito de desaparición forzada.

En ese entonces, se utilizaba al personal de la Dirección de Reglamentos y Espectáculos para cobrar esta extorsión a los comerciantes.

La ciudad de Taxco vivió un momento de gran tensión cuando hombres armados secuestraron al director del hospital IMSS-Bienestar y luego al propio hijo del alcalde, quien fue llevado para negociar la liberación de su padre.

La FGE confirmó que el agente involucrado en los secuestros utilizaba su uniforme y patrullas oficiales para cometer delitos.

La hija de Miguel Huerta, servidor público desaparecido en febrero de 2023 en Taxco, pidió a las autoridades que investiguen al presidente local y que expliquen sus reuniones con integrantes de la FM. Quiero saber qué está pasando", dijo Yazmín Huerta.

La investigación sobre el secuestro del padre del alcalde ha llevado a la detención del director de Reglamentos y Espectáculos de Taxco, quien se encuentra acusado de estar involucrado en el crimen.

Se espera que las autoridades continúen investigando para determinar si hay más personas implicadas en los secuestros y qué conexión tienen con la administración local.

El Universal Estados: https://www.eluniversal.com.mx/estados/detienen-a-director-de-reglamentos-y-espectaculos-de-taxco-esta-acusado-del-secuestro-del-padre-del-alcalde/

Lins Ribeiro enfatizó que los jóvenes no deben quedarse solamente con la explicación histórica del colonialismo, ya que este fenómeno se relaciona estrechamente con el imperialismo y su forma de invisibilizarse. Mientras que el colonialismo es más fácil de identificar, el imperialismo puede adoptar formas más sutiles y sutilmente manipuladoras.

La charla ofrecida por Lins Ribeiro forma parte del ciclo celebrado por la Facultad de Ciencias Políticas y Sociales (FCPyS) en conmemoración de su 75 aniversario. Este evento busca renovar el compromiso de la institución con el pensamiento crítico, la investigación y el diálogo plural.

La serie de conferencias "Grandes protagonistas de las Ciencias Políticas y Sociales" permite examinar los desafíos actuales desde diferentes disciplinas y perspectivas. Este tipo de eventos busca abrir nuevas preguntas y enriquecer la conversación pública y universitaria.

El objetivo de esta serie de conferencias es ofrecer a los estudiantes una oportunidad para reflexionar sobre las cuestiones más relevantes del momento, y para que puedan desarrollar sus propias ideas y visiones sobre el mundo actual.

El profesor Lins Ribeiro abordó la influencia del colonialismo en la sociedad actual, destacando que su impacto se siente especialmente en las vertientes del poscolonialismo y la decolonialidad.

Sin embargo, el experto enfatizó que hablar de estos temas no puede reducirse a considerar únicamente el colonialismo. Deben tenerse en cuenta también los procesos del imperialismo y el capitalismo, cuya clave ha sido la expansión y acumulación.

Lins Ribeiro criticó la tendencia de que se expliquen los fenómenos mundiales desde fuera, como si los latinoamericanos no fueran capaces de hacerlo por sí mismos. Esto es algo con lo que él siempre se ha rebelado, y cuestiona la forma en que se ha visto la antropología "blanca" a lo largo de la historia.

Actualmente, el mundo está dominado por la cultura estadounidense, lo que lleva a revisar críticamente el pasado y el presente considerando la decolonialidad del poder. Sin embargo, también es importante tener en cuenta la indigeneidad del poder, ya que los pueblos indígenas tienen una presencia significativa en la sociedad.

La expansión y acumulación de capitalismo han sido fundamentales para el desarrollo de los imperios, lo que ha llevado a un proceso de dominio cultural y económico. Es necesario analizar esta triada de colonialismo, imperialismo y capitalismo para comprender las complejidades del mundo actual.

La relación entre México y el imperialismo de Estados Unidos es un tema complejo que requiere una reflexión profunda. Según los expertos, existen dos tipos de economías: las grandes potencias como la mexicana y las pequeñas naciones como Iztapalapa, lo que lleva a preguntarse qué tipo de relación tiene México con el sistema mundial.

Actualmente, hay nuevos centros imperialistas que han surgido en diferentes ámbitos. En la esfera financiera, Wall Street es un poderoso instrumento del capitalismo. La NASA y Space X dominan el espacio y la soberanía digital, mientras que Hollywood y Netflix ejercen una gran influencia a través de las redes sociales y los medios de comunicación.

La hegemonía en estos nuevos centros imperialistas es ejercida a través de diferentes instrumentos, como la propaganda a través de las plataformas digitales y la guerra a través del Pentágono. Silicon Valley es el epicentro de la innovación y el desarrollo tecnológico que condiciona nuestras vidas.

La vulnerabilidad de naciones como Ucrania ante la limitación del acceso a sistemas satelitales por parte de Estados Unidos es un ejemplo paradigmático de cómo operan estos nuevos centros imperialistas, dejando a los demás países en una situación de indefensión.

Gaceta UNAM: https://www.gaceta.unam.mx/invitan-a-jovenes-a-reflexionar-en-torno-al-colonialismo-los-imperios-y-el-capitalismo/